Ett mjukt prasslande papper, det mjuka flödet av bläck på rispapper - så börjar det japanska måleriets historia, som slingrar sig fram genom århundradena som en tyst flod. Medan oljemåleriet i Europa överväldigar sinnena med dramatiskt ljus och överdådiga färger, fokuserar den japanska konsten på det outtalade, det antydande, det som ligger mellan raderna. Japans nationella historia, som kännetecknas av långa perioder av isolering och plötsliga öppningar, återspeglas i dess konst: det är en återspegling av balansen mellan tradition och innovation, mellan närhet till naturen och urban modernitet.
Föreställ dig att du tittar på ett ukiyo-e-träsnitt av Hokusai: "Den stora vågen utanför Kanagawa" tornar upp sig, kraftfull och ändå full av elegans, medan berget Fuji framstår som nästan blygt i bakgrunden. Till skillnad från den italienska renässansen, som placerade människan i centrum, är naturen alltid huvudpersonen i Japan. Konstnärerna - från Sesshū Tōyō, vars monokroma landskap framstår som meditationer, till Hiroshige, som fångar ögonblickets flyktighet med sina träsnitt i färg - vet hur man hyllar det efemära, det övergående. Även i 1900-talets fotografi, till exempel hos Daidō Moriyama, finns denna känsla för det efemära kvar: Korniga svartvita bilder som fångar det pulserande livet i Tokyo ser ut som moderna motsvarigheter till de gamla träsnitten.
En överraskande detalj: tekniken med träsnitt i färg, som mognade till perfektion i Japan, inspirerade senare de franska impressionisterna. Monet, van Gogh och Degas samlade på japanska tryck, studerade den tvådimensionella kompositionen, de djärva utsnitten och reduceringen till det väsentliga. Men medan måleriet i Frankrike blev en scen för ljuset, förblev det i Japan en plats för stillhet och kontemplation. Takeuchi Seihōs akvareller, till exempel, där en ensam trana står på en snötäckt mark, berättar mer om den japanska själen än tusen ord. Och än i dag, i Yayoi Kusamas samtidskonst, dyker de gamla mönstren upp: Prickar, upprepningar, leken med tomhet och fyllighet - ett eko av sekelgammal estetik.
Den som ägnar sig åt japansk konst träder in i ett rum där det osynliga är lika viktigt som det synliga. Här blir det vita papperet en ocean, penseldraget en vindpust, motivet en meditation. För konstälskare och samlare av konsttryck öppnar sig en värld där varje bild är en inbjudan att stanna upp ett ögonblick - och upptäcka det väsentliga i tystnaden.
Ett mjukt prasslande papper, det mjuka flödet av bläck på rispapper - så börjar det japanska måleriets historia, som slingrar sig fram genom århundradena som en tyst flod. Medan oljemåleriet i Europa överväldigar sinnena med dramatiskt ljus och överdådiga färger, fokuserar den japanska konsten på det outtalade, det antydande, det som ligger mellan raderna. Japans nationella historia, som kännetecknas av långa perioder av isolering och plötsliga öppningar, återspeglas i dess konst: det är en återspegling av balansen mellan tradition och innovation, mellan närhet till naturen och urban modernitet.
Föreställ dig att du tittar på ett ukiyo-e-träsnitt av Hokusai: "Den stora vågen utanför Kanagawa" tornar upp sig, kraftfull och ändå full av elegans, medan berget Fuji framstår som nästan blygt i bakgrunden. Till skillnad från den italienska renässansen, som placerade människan i centrum, är naturen alltid huvudpersonen i Japan. Konstnärerna - från Sesshū Tōyō, vars monokroma landskap framstår som meditationer, till Hiroshige, som fångar ögonblickets flyktighet med sina träsnitt i färg - vet hur man hyllar det efemära, det övergående. Även i 1900-talets fotografi, till exempel hos Daidō Moriyama, finns denna känsla för det efemära kvar: Korniga svartvita bilder som fångar det pulserande livet i Tokyo ser ut som moderna motsvarigheter till de gamla träsnitten.
En överraskande detalj: tekniken med träsnitt i färg, som mognade till perfektion i Japan, inspirerade senare de franska impressionisterna. Monet, van Gogh och Degas samlade på japanska tryck, studerade den tvådimensionella kompositionen, de djärva utsnitten och reduceringen till det väsentliga. Men medan måleriet i Frankrike blev en scen för ljuset, förblev det i Japan en plats för stillhet och kontemplation. Takeuchi Seihōs akvareller, till exempel, där en ensam trana står på en snötäckt mark, berättar mer om den japanska själen än tusen ord. Och än i dag, i Yayoi Kusamas samtidskonst, dyker de gamla mönstren upp: Prickar, upprepningar, leken med tomhet och fyllighet - ett eko av sekelgammal estetik.
Den som ägnar sig åt japansk konst träder in i ett rum där det osynliga är lika viktigt som det synliga. Här blir det vita papperet en ocean, penseldraget en vindpust, motivet en meditation. För konstälskare och samlare av konsttryck öppnar sig en värld där varje bild är en inbjudan att stanna upp ett ögonblick - och upptäcka det väsentliga i tystnaden.
×
Passionerad kundservice
+43 4257 29415
support@meisterdrucke.com
Mo-Do: 7:00 - 16:00 | Fr: 7:00 - 13:00
